韓國與日本藝術在首爾ART OnO轉向內心

ARARIO GALLERY為ART OnO 2026在首爾SETEC匯聚了十一位韓國與日本藝術家——這不是一個商業櫥窗，而是一個關於東北亞當代藝術此刻究竟想說什麼的精確論題。

ARARIO GALLERY在101號展位集結的作品中有一種退守的質感。不是逃離——而是作為方法的退守。這次呈現中的繪畫、雕塑與裝置共享一種拒絕向外展開的姿態。它們收縮。它們轉向自我、記憶、在日常經驗表面之下運作的幾乎無法察覺的焦慮。對於在從席德進到陳界仁的傳統中成長的台灣觀眾——從以水墨語言重新詮釋心理風景，到以錄像裝置解構殖民記憶與集體創傷——這種姿態並不陌生。但它從一個根本不同的文化空間抵達這裡，正是這一點賦予了它獨特的力量。

SIM래정將這種姿態變為結構：孤獨、無力感、本能與社會規範之間的衝突，通過看似憤世嫉俗而令人不安的圖像，被轉化為繪畫與裝置，而不加任何解釋。個展將於2026年5月在ARARIO GALLERY SEOUL開幕的KANG Cheolgyu，通過他自己所說的「投影」概念來描述自己的創作——將個人經歷、情感與欲望轉化為繪畫中的虛構世界，展開為自傳式敘事。兩人共同在其他任何作品現身之前便宣告了展位的論題。

論題通過三個附加層次得以深化。KOO Jiyoon、AN Gyungsu與Kohei YAMADA——分別生於1982年、1975年和1997年——各自以不同方式面對風景，但這裡沒有任何一個版本的風景是令人慰藉或全景式的。KOO Jiyoon以老化建築和城市環境的時間層積為基礎描繪心理風景——建築作為積累的心理時間，這種解讀在台灣語境中與將城市空間視為歷史沉積物的傳統深度共鳴：從大稻埕的街屋立面到眷村的緩慢消逝，從廢棄工廠的再生到九份山城的時間皺褶，台灣的城市肌理一直是在記憶與遺忘之間協商的場域。AN Gyungsu在城市空間的邊緣地帶、在看似被忽視或廢棄的材料與場所中尋找自己的主題，在這片外圍地帶發現了一種漂浮的、無根的感受性。展出作品《으스으스》（2025年）以壓克力罕見才能達到的近乎攝影般的精確度捕捉了海岸礁石的質感——一個同時具有地質性與心理性的表面。此次呈現中最年輕的YAMADA通過幾何色域和均衡的構圖探索城市與自然的邊界，用抽象的繪畫語言揭示環境與空間的關係。

LEE Eunsil、LIM Nosik與CHA Hyeonwook佔據中間層次——記憶與個人經驗，但其精確性更接近自我的考古學而非懷舊。LEE Eunsil表達欲望與社會規範之間產生的情感張力。LIM Nosik呈現碎片化的自我圖像，在繪畫中展現主體經由障礙或距離被觀看，從未完全可讀。CHA Hyeonwook的實踐或許是整個呈現中材料上最為獨特的：在傳統韓國紙張韓紙上反覆施以乾筆觸，疊加傳統顏料——記憶碎片在表面積累，手本身成為記憶的行動。展出作品《낮달로 보다》（2026年）在視覺上令人歎為觀止：幻想性岩石構造與天體展開的風景，傳統韓國材料與宇宙論想像在其中與全然當代的某物碰撞。關於姿勢、材料與意義之間關係的追問，在此與台灣當代藝術中對媒材的重新思考——從李明維將日常物件轉化為關係美學的介面，到袁廣鳴以錄像裝置探索時間感知的極限——產生了跨越媒材邊界的深刻共鳴。

第四個層次——NOH Sangho、GWON Osang、Kohei NAWA——是這次呈現與作為擴張性學科的當代藝術語言最直接交鋒的地方。NOH Sangho將網路圖像與人工智慧生成圖像作為素材用於油畫創作：展出作品《HOLY》（2026年）同時具有虔誠性與不穩定性——由網路圖像洪流拼裝而成的聖徒與戰士，一幅追問當來源是演算法時繪畫意味著什麼的畫作。這一追問在台灣具有特別的層次。台灣在數位藝術與科技藝術的領域長期居於亞洲前沿——從國立台灣美術館的數位藝術常態展示到台北數位藝術節的持續深耕，圖像的生產方式、真實性的邊界、以及人工智慧介入創作的倫理問題，在台灣的藝術機構中早已是成熟的討論議題而非新鮮話題。GWON Osang數十年來從內部質疑雕塑的身份，創作橫跨攝影性與三維之間而不在任一處安營紮寨的作品。此次呈現中國際認可度最高的人物Kohei NAWA通過雕塑、裝置與多元媒介探索材料與表面、自然與人工之間的關係。展出作品《PixCell-Random (Cloud) #09》（2026年）延續了他對觀者與圖像之間插入的物體如何中介知覺的長期探究：施於木框內攝影基底上的玻璃球體，將一朵雲像素化，把它折射為同時具有數位性與觸覺性的某物。

韓日組合承載著新聞材料未直接命名的重量。兩國之間的文化關係是東亞最為複雜的之一——殖民歷史、美學交流、持續的張力與同時運作的真實相互影響。將Kohei NAWA與Kohei YAMADA和九位韓國藝術家並排置於首爾藝術博覽會的展位，不是中性的姿態。它悄然而清晰地提出：共享的美學關切構成了超越國家邊界的地區性藝術語言。台灣對這一提議有著獨特的閱讀位置。台灣的文化身份本身就是在多重影響的交匯處形成的——漢文化傳統、日本殖民時期的美學遺產、戰後現代主義的接受與轉化、以及當代全球化語境中本土性的持續重構。台北藝術博覽會（ART TAIPEI）數十年來作為亞洲藝術市場的重要節點，見證了台灣藏家如何在東亞文化共同體的認同與獨立的審美判斷之間發展出細膩而獨特的收藏眼光。

首爾近年來鞏固了其作為全球藝術中心的地位——部分得益於Frieze Seoul帶來的制度性公信力，部分源於韓國藏家群體的非凡增長。這一現象在台北的畫廊生態中已充分可見：愈來愈多的台灣機構與藏家將首爾視為東亞當代藝術的核心場域，兩地之間的藝術交流在近年呈現出前所未有的密度與互動性。ART OnO在這一擴展的生態中運作——不在其國際能見度最高的頂端，而在維繫一個嚴肅藝術市場正常運轉的支撐性基礎設施之中。

ARARIO GALLERY在ART OnO 2026的呈現最終提供的是一種對位——對韓國當代藝術作為全球奇觀的敘事的對位。十一位藝術家，兩個國家，一個共同的方向：不是朝向世界，而是朝向身處其中這一事實的內在建築。在一個有時將能見度置於一切之上的市場中，這個展位以精確性為深度辯護——並提醒我們，最為持久的藝術永遠是那些拒絕讓自己被完整看見的藝術。