The Long Now：薩奇畫廊以「當下」為鏡，紀念四十週年

迎來四十週年之際，薩奇畫廊並未選擇傳統回顧展，而以群展 The Long Now 出場，將機構歷史視為一個持續運作的平臺，促成新作與經典之作的再度相遇。展覽由 De Beers London 贊助、前資深總監 Philippa Adams 擔任策展，橫跨兩層、九個展間，匯集特別委託創作、裝置、繪畫、雕塑與動態影像。其目的明確：在不流於賀歲式自我歌功頌德的前提下，重申畫廊作為藝術家試煉材料、觀念與觀眾的場域。

The Long Now 的核心是對「過程」的關注：痕跡如何被留下、材料如何抵抗或成全身體的動作、影像如何生成。Alice Anderson、Rannva Kunoy 與 Carolina Mazzolari 的作品奠定了展覽基調——將「製作的手感」本身作為主題：Anderson 細密而勞動密集的纏繞與編織；Kunoy 捕捉並釋放光線的氛圍性表面；Mazzolari 以織物構成淡化素描、繪畫與雕塑之間的邊界。焦點不在風格，而在讓「製作行為」變得可見：手的在場使作品成為專注持續的紀錄。

第二條敘事線聚焦於推動媒介與訊息邊界的實踐。Tim Noble、André Butzer、Dan Colen、Jake Chapman 與 Polly Morgan 等人的作品，被安置為「意義如何被建構」的試驗場：透過並置、尺度與將觀眾期待納入作品的概念手法，讓一貫的「把風險攤在展廳裡、讓辯論在場域中發生」的薩奇方法論顯形，而非簡單羅列「精選輯」。

作為畫廊節目長年的支柱，繪畫在本展中以寬闊譜系與鮮明技術對比呈現。Jenny Saville 的 Passage（2004）以高度凝練的視線描繪當代身體——拒斥理想化、複雜且強烈在場——提醒人們她的實踐如何長期牽動具象繪畫的討論。相鄰的群組則展示 Alex Katz 的平面精準、Michael Raedecker 「縫與畫」交織的肌理、Ansel Krut 稍加錯位的形象語法、Martine Poppe 輕薄如紗的視覺層，以及 Jo Dennis 的混合策略。整體訊息直白：繪畫不是單一論述，而是一組彼此覆疊、持續修訂的語言。

兩件裝置作品最清楚地闡發「參與」與「轉化」的命題。Allan Kaprow 的 YARD——由觀眾行動歷來「激活」的一片汽車輪胎場域——將雕塑從「遠觀的對象」轉化為「穿行其間的環境」。懸於其上的 Conrad Shawcross Golden Lotus (Inverted) 則把經典 Lotus 車體翻轉為一件動力雕塑（曾於 Sweet Harmony: Rave Today 展出），藉由剝離工業設計的原始功能，將其重置為供「慢速觀看」的對象。兩者合讀，構成互補的能動性模型：Kaprow 邀請介入；Shawcross 把機器轉化為一個開放的提問。

展覽亦直面當下最受爭議的地帶——監控、自動化與人工智慧的倫理摩擦。Chino Moya 與 Mat Collishaw 的作品探究機器如何生成、排序與流通影像，拋出根本性問題：把「看」這件事委託給系統意味著什麼？作品避免說教式答案，而是把捕捉、模式辨識與分發等裝置層面推至前景，讓這些流程如何改寫我們對世界與他人的理解一目了然。

生態壓力與材料的「第二生命」反覆出現為母題。Gavin Turk 的 Bardo 以碎裂玻璃面板呈現，像是一種關於過渡與無常的冥想：既穩定到足以承載影像，又脆弱到暗示裂隙。Olafur Eliasson、Chris Levine 與 Frankie Boyle 的光作品把感知放慢到近乎不可覺察的閾值，反使感官更敏銳。與此同時，Edward Burtynsky、Steven Parrino、Peter Buggenhout、Ibrahim Mahama、Ximena Garrido-Lecca 與 Christopher Le Brun 的貢獻，分別以迥異的材料與視角處理開採、殘餘與再生等議題。策展走向保持務實：氣候與工業並非待「說明」的主題，而是當代藝術生產與接收的條件。

Richard Wilson 的 20:50 既是歷史錨點，也是體驗高峰。空間被回收機油注滿至腰部高度，平靜如鏡的液面以令人錯亂的精準反映建築。狹窄步道引人進入一個方向感被顛覆、邊界逐漸溶解的房間——視線彷彿延伸進入另一個上下顛倒的空間。此作曾在薩奇畫廊前三處據點皆有安裝，此番於上層空間重現，使相遇情境改變而核心效應不減。在這個脈絡裡，「油」的材質意涵更為飽滿，但作品仍拒絕落入簡化口號；它更像一堂觀看課：謹慎步入，記錄不穩，並留意感知如何重寫看似堅實之物。

相較多數週年展易滑向機構自畫像，The Long Now 刻意把機構退至背景、讓作品居於前景。Adams 的策展框架清晰而輕巧，論述由作品本身承擔。畫廊作為慈善機構的現況以務實方式交代——票房收入回流於節目與可近性的擴充——而 De Beers London 的支持被定位為與創意與創新相契合的贊助，而非內容的指揮棒。

參展名單凸顯跨世代的對話與幅度。除前述藝術家外，展覽亦呈現 Olivia Bax、John Currin、Zhivago Duncan、Rafael Gómezbarros、Damien Hirst、Tom Hunter、Henry Hudson、Maria Kreyn、Jeff McMillan、Misha Milovanovich、Ryan Mosley、Alejandro Ospina、Sterling Ruby、Soheila Sokhanvari、John Squire、Dima Srouji 與 Alexi Williams Wynn 等人的作品。目的不在封固典範，而在於提供一個切面：觀察影像如何在公共空間累積意義與價值。

觀眾接觸與參與被納入展覽機制之中。Saatchi Gallery Lates 延長開放時段，為可能錯過展覽的族群開啟新入口。票價自 £10 起，所得回投於機構核心運作。地面層同步推出與 Bagri Foundation 合作的 Myths, Dreams and New Realities，由 Chelsea Pettitt 與薩奇團隊共同策劃，聚焦 13 位新銳亞洲藝術家。此計畫非附屬「衛星」，而是與主展核心命題並行的平行研究：把身分視為流動構成、把材料視為記憶載體、把敘事視為重想當下的工具。

總括來說，The Long Now 借週年之名，不為神聖化過去，而為釐清當代藝術實踐的「現在式」：把過程端上前台、邀請參與、檢視系統、推動材料至臨界。展名既是描述，也是一種指引。時間的延展之所以重要，並非為了延宕迫切性，而是為了讓複雜作品得以沉澱。如果畫廊的價值繫於它所促成相遇的品質，那麼四十歲的任務與四歲時無異：聚合需要時間的作品，安排它們在方法與世代之間對話，並相信觀眾將為迴路畫上句點。

**日期：**The Long Now 展期為 2025 年 11 月 5 日至 2026 年 3 月 1 日。Saatchi Gallery Lates 舉行於 11 月 7 日、11 月 21 日、12 月 5 日與 1 月 23 日。Bagri Foundation 的 Myths, Dreams and New Realities 展期為 10 月 24 日至 11 月 30 日。票價自 £10 起。