塞西莉·布朗：從情慾纏繞的畫布走向擁擠海灘的英國畫家

塞西莉·布朗

出生	1969 英格蘭倫敦
職業	畫家
代表作	性爱禁区

盯著塞西莉·布朗的畫布看得夠久，洶湧的筆觸便會逐漸浮現出人體：一個膝蓋、一張張開的嘴，還有兩個糾纏在一起的人影，原來身處河岸。這種緩緩揭曉的觀看經驗，為她的畫作建立起以百萬計的交易市場；而如今，這位英國畫家似乎正打算讓一切變得更複雜。今年她回到倫敦，在肯辛頓花園的一間畫廊展出倒下的樹幹、林間小徑，以及取材自童書的墨水畫。一位評論家離場時坦言，自己原本期待看見隱晦的縱慾場面，結果眼前卻是 Humpty Dumpty。

這是一次退縮，還是布朗一路以來與繪畫交鋒的必然結果？她始終希望自己的作品在觀者眼前保持未定。「我的創作一直帶著某種不穩定的特質，沒有任何東西是固定的，」她接受《WSJ Magazine》訪問時說。「你以為自己知道正在看什麼；再看一眼，畫面就變了。」這批新作把這種不穩定性轉向她自己的名聲，也轉向那些自以為了解何謂「塞西莉·布朗式作品」的收藏家與評論家。

布朗的母親是小說家希娜·麥凱（Shena Mackay）。她1969年在倫敦出生，之後在薩里郡長大，曾就讀 Epsom School of Art 和 Morley College，並於1993年自 Slade School of Fine Art 畢業。家族友人、曾帶她認識賈斯培·瓊斯與理查·塞拉，也帶她去看法蘭西斯·培根作品的人，是評論家大衛·西爾維斯特；當時每個藝術系學生都讀過他對培根的訪談。21歲、仍在 Slade 就讀時，她得知西爾維斯特是自己的父親。多年後，她直言這件事帶來的影響：「在倫敦，我是個靠關係的星二代；但這裡的人不太知道我爸是個大人物。」她說的「這裡」，指的是紐約。

她在1994年移居紐約，部分原因是當時倫敦的藝術圈由達米恩·赫斯特與莎拉·盧卡斯主導，畫畫的念頭顯得有點過時。傑佛瑞·戴奇在蘇活區的 Deitch Projects 為她舉辦了兩場個展，分別於1997年和1998年登場，展出的作品裡滿是交配中的兔子。到了2000年，她加入 Gagosian；兔子已變成半淹沒於濃厚、飛快的顏料中的人體，作品價格也攀上六位數。

名氣遠比評論家的肯定來得早：她為《Vanity Fair》拍照，並與約翰·柯林、麗莎·尤斯卡瓦奇一同被視為當時最受矚目的具象畫家。《紐約時報》的羅伯塔·史密斯批評了她在 Gagosian 的首場展覽；她後來回憶，當時覺得那些畫「毫無意義地凌亂」、「刻意挑釁」，而且「就是為了賣錢而畫的」——而作品確實賣了出去。這種質疑跟著布朗走了十年：有人認為她借用了威廉·德庫寧與抽象表現主義者的氣勢，卻沒有承接他們所投注的利害關係；也有人認為，作品照片替她做了部分功夫。

這些質疑忽略了畫面底下蘊藏的大量閱讀與參照。布朗從魯本斯、布勒哲爾、波希和戈雅的作品中汲取靈感，也從好萊塢舊片取用標題，例如 Suddenly Last Summer。她的素描涉獵更廣，甚至取材自吉米·亨德里克斯專輯 Electric Ladyland 的封面。策展人伊恩·阿爾特維爾追溯了她作品標題中反覆出現的 maid 一詞，發現它可追溯至她在倫敦求學的日子，當時她靠打掃房子支付帳單。2014年，她悄然離開 Gagosian，開始與該畫廊前任總監安德莉亞·克蘭合作，並將作品分由紐約的 Paula Cooper 和倫敦的 Thomas Dane 展出。談到這次轉變，她說：「或許更投入一些，不要把這麼多主導權交出去，會比較好。」

真正的轉折來自大都會藝術博物館。由阿爾特維爾策劃、於2023年4月至12月展出的 Cecily Brown: Death and the Maid，是她首度在紐約大型博物館舉辦全面回顧展，展覽以骷髏與凝視鏡中自己的美人為主軸。開幕前，布朗坦承自己「完全陷入冒牌者症候群」。史密斯三度前往觀展，之後以〈我錯看了塞西莉·布朗〉為題發表專欄，承認自己把刻意營造的複雜性當成繁忙雜亂，因為她從未讓自己的觀看慢下來。

市場早在評論家之前就不再等待。Suddenly Last Summer 於2018年在 Sotheby’s 以約680萬美元成交；2025年11月，兔子時期的畫作 High Society 在 Sotheby’s 紐約拍場以981萬美元落槌，打破她先前的拍賣紀錄，成交價高出44%。她也把這股影響力帶向畫布之外：2021年，她捐出作品 There’ll be bluebirds，該作在 Christie’s 拍賣，為環境法律慈善機構 ClientEarth 募得350萬英鎊。

因此，2026年3月至9月在 Serpentine South 展出的 Cecily Brown: Picture Making，其反響格外重要。這是她自2005年在 Modern Art Oxford 展出以來，首次在英國大型博物館舉辦繪畫展，也讓過去那套批評有了新的面貌。《The Arts Desk》稱展中最出色的作品，是一幅二十多年前創作的畫；評論認為較新的畫布「沉滯而缺乏生氣」，並將自然漫步系列斥為「風景如畫的陳腔濫調」。Cultbytes 則以布朗降低作品情色張力為題，刊出展評。如今的批評是，她不再畫人們花錢想看的作品。這項指控比史密斯在2000年提出的質疑更令人費解，也同樣反映出她的品牌形象與筆下作品。

她沒有放慢腳步回應這些批評。她與 Thomas Dane 合作的第四場展覽，也是該畫廊那不勒斯空間的第二場展覽 A sunset, a ruin, a crowd, and a battle，於9月29日開幕，展期至2026年12月19日。展出的三十幅新畫作與素描，從倫敦展覽裡的公園轉向歐洲夏日海灘。展覽核心作品 Sorrento Sunset 寬近四公尺，描繪一座擠滿遊客的小鎮：人們頂著逆光爭相自拍。整個夏天，密西根州的 Cranbrook Art Museum 將她的一幅大型畫作與瓊·米切爾、山姆·吉利亞姆的作品並置展出；長久以來，外界正是拿這兩位藝術家與她相提並論。

布朗與丈夫、建築評論家尼古拉·烏魯索夫（Nicolai Ouroussoff）住在紐約，兩人於2008年結婚，女兒則在隔年出生。她在聯合廣場附近的工作室創作，並表示自己可以在一天之內，從大型畫布轉到水彩，再轉做版畫。

那不勒斯或許會成為她對倫敦的回應。人體又回來了，而且是一群群的人；只是如今他們曬得滿身通紅，拿著手機，排隊等著喝雞尾酒。那些曾想看林間戀人的收藏家，是否也會想要海灘上的人群，將是她下一個十年的懸念。布朗早已在畫布上給出了自己的答案。

標籤: artists, 畫家, 當代藝術, Thomas Dane Gallery, David Sylvester, Roberta Smith