Celine Daemen，將虛擬實境化為歌劇舞台的導演

Celine Daemen

出生	1995 Netherlands
職業	沉浸式電影導演
獲獎	Venice Immersive Grand Prize · Reflet d'Or · Silver Yusr

當虛擬實境產業向眾人承諾一個元宇宙時，瑟琳·達門（Celine Daemen）想的卻是尤麗狄絲。不完全是希臘神話中那個迷失的女孩——更精確地說，是那種墜入一個空間的感受，在那裡，日常時間停止運作，讓人錨定於自身的法則悄然消解。在達門看來，這正是VR被創造出來的目的：不是主題樂園，不是企業訓練模擬，而是更接近歌劇在你不經意間擊中你的那種體驗。這個立場使她成為沉浸式電影界獲獎最多的名字之一——而她如今正刻意超越讓她獲得這份認可的技術——這說明了她是多麼認真地對待這個媒介，以及她多麼不願被它所定義。

達門在荷蘭的馬斯垂克表演藝術學院（Maastricht Institute of Performing Arts）學習導演，2018年畢業時的作品已預示了她的關注：《Inside》，一部360度、單人觀看的影像裝置，圍繞恐懼與孤獨。這件作品沒有傳統意義上的敘事。觀者被置入一個聯想性的情感場域——影像、音樂、層疊的聲音——並憑感覺在其中導航。它並不舒適。它本來就不是為了舒適而設計。這部作品在她職業生涯的最初就確立了一點：達門對用技術讓觀看變得更輕鬆毫無興趣。她1995年生於荷蘭，所經歷的文化脈絡——荷蘭劇場、當代歌劇、實驗音樂——賦予她一套形式參考，與沉浸式媒體的新創邏輯既格格不入又富有成效地並存。

2010年代末期隨之而來的作品遊走於劇場、表演與早期沉浸實驗之間。《De Opera van de Vallende Mens》（墜落之人歌劇，2019）取材於與經歷心理脆弱狀態者的訪談，建構了一部關於孤獨與悲傷的VR歌劇，音樂與視覺作為鏡子而非窗戶。《Sneeuwen》（雪，2019）與女演員瑪莉特·霍伊舒爾（Marit Hooijschuur）及作曲家馬克·馬富德（Marc Mâhfoud）合作，為年輕觀眾導演，將一個小女孩置於天真詩意與存在主義疑問的風景中。更早的短片《De vrouw die oneindig wilde zijn》（渴望無限的女人，2018）與桑妮·史密茨（Sanne Smits）共同創作，設定在生死之間的過渡階段，在畢爾包國際電影節獲得肯定。戲劇語言已然存在；VR工具則一部作品一部作品地組裝起來。兩部主要的VR作品都展現了後來成為標誌性的手法：運用古典藝術形式——歌劇、神話、抒情詩——作為僅能在沉浸空間中存在的體驗的結構骨架。

疫情強化了這種方法。《Monologues for Nothing》（2020-2021）在封鎖期間將VR頭戴裝置交到年輕人手中，透過技術將他們飛越自己的城市，進入共享的虛擬空間。當他人將VR視為娛樂時，達門卻將其視為教堂地下室一直以來的角色：一個隔離短暫轉變為共融的房間。研究計畫《Nowhere》（2021-2022）與Muzieklab of Intro in Situ、VIA ZUID以及De Effenaar Smart Venue的Chronosphere實驗室合作開發，深入了她持續宣稱屬於自己的哲學領域——在場與缺席之間、「某處」與定義其邊界的空白之間。

2022年，《Eurydice — A Descent into Infinity》問世，這是一部超過二十五分鐘的VR歌劇，要求觀者實際走過一座無盡的建築迷宮，同時跟隨神話中的尤麗狄絲墜入虛空。形式嚴謹——達門曾引用塔可夫斯基（Tarkovsky）與香妲·艾克曼（Chantal Akerman）作為沉思節奏與拒絕傳統戲劇性結局的參考點——這部作品在十分鐘便算雄心勃勃的媒介中異常地長。它獲得了日內瓦國際電影節的Reflet d’Or最佳沉浸體驗獎與銀Yusr獎。同年，她創立了Studio Nergens（無處工作室），一個跨領域工作的協作中心：VR專家、作曲家、劇場實踐者與數位藝術家共同創作他們任何一人都無法獨自完成的作品。工作室的名稱精確捕捉了其哲學：無處正是達門始終試圖抵達的空間，是經驗的日常座標不再可靠的地方。

接著是《Songs for a Passerby》。這部作品於2023年8月在第八十屆威尼斯國際電影節首映，是一部十分鐘的VR歌劇，觀者——戴著頭戴裝置——以三維掃描版本的自己探索一座廢棄的城市景觀，在陰影與聲音中移動，同時有低聲合唱、野狗在安靜的街道上繞圈，以及一匹馬在遠方某處面臨不確定的命運。作曲家阿薩·霍維茨（Asa Horvitz）與劇作家奧利維耶·埃爾特（Olivier Herter）與達門及VR藝術總監亞倫·費爾斯（Aron Fels）共同創造了音樂建築；體驗介於超現實主義中篇小說與可漫步其中的深夜夢境之間。由電影導演陳芯宜（Singing Chen）擔任主席的評審團授予它威尼斯沉浸式大獎——該領域的最高榮譽——稱其為一部里程碑式的作品，為這個媒介的可能性樹立了新標準。

這種讚譽值得檢視，而非僅僅接受。威尼斯沉浸式大獎確實享有盛譽，但VR電影作為一個類別仍處於尷尬的中間地帶：對長片來說太短，對大眾來說太貴，依賴於仍屬小眾消費品的頭戴裝置以及大部分觀眾依賴的影展基礎設施。這個媒介的批評者認為，沉浸式電影永遠處於宣告狀態——總是即將突破，總是在技術上令人印象深刻，卻從未像電影、劇場或錄音音樂那樣在文化上不可或缺。達門最有力的反駁不是修辭性的，而是形式性的：她的作品並非試圖成為電影。《Songs for a Passerby》不是一部戴著頭戴裝置的電影。它是一部空間歌劇，將頭戴裝置獨特的語法——對觀者視線去向的絕對掌控，身體同時存在於兩個座標的本體感受混亂——作為論證本身。這是否構成一種新的藝術形式，或只是對技術能力的精巧展示，是一個無法乾淨俐落解決的問題。對達門來說，重要的是她持續提出這個問題，而不是滿足於產業偏好的答案。

威尼斯之後的一年，在第八十一屆威尼斯國際電影節上，達門不是以參賽者身分回歸，而是擔任威尼斯沉浸式單元評審團主席——這項肯定在她這個年紀（多數導演仍在尋找自己的語彙）到來。與此同時，她獲選為林肯中心Onassis ONX駐留計畫的Collider Fellow，這是一個為期八個月的計畫，聚焦技術與藝術研究的交匯。Studio Nergens獲得荷蘭表演藝術基金（Performing Arts Fund Netherlands）多年機構支持，這表明荷蘭文化基礎設施已認定這類實踐有未來，值得穩定而非逐案資助。

至於這個未來是什麼模樣，達門正在積極重新協商。《Nothing to See Here》，這部入選IDFA DocLab 2025並於2026年在Festival Cement展出的裝置，是一個互動式立體模型——無需頭戴裝置的光學與聽覺沉浸。媒介轉換是刻意的。Studio Nergens已宣布一項計畫，延伸至VR之外，進入聲音裝置與那些擱置「VR能做什麼？」問題的格式，轉而探討更根本的問題：沉浸式藝術究竟想從置身其中的人身上得到什麼？Onassis基金會的EMARE津貼支持了這項擴展背後的持續探索性研究。這並非否定為她贏得該領域最高獎項的作品；而是同一個哲學問題，用不同的工具提出。

一位電影人在其媒介中贏得最高獎項後，立即開始設法減少對它的依賴，這種情況並不尋常。達門在多次訪談中說過，對她而言，技術始終是載具——而非目的地。她現在跨越格式、機構與兩大洲的駐留計畫所追隨的問題，是那個載具一直以來承載的東西：站在一個聲音與視覺世界之中，剝除那些確認一個人自身存在的日常線索，實際上對站在那裡的人產生了什麼影響。《Nothing to See Here》是當前進行中的答案。還會有其他答案。

標籤: 導演, Aron Fels, Celine Daemen, Eurydice — A Descent into Infinity, Nothing to See Here, Songs for a Passerby